Incertidumbre, desgarro y desesperación

Sinopsis
Teddy Daniels, un joven agente judicial es mandado junto a su compañero Chuck Aule a una isla remota, un centro penitenciario psiquiátrico. Su misión es encontrar a una peligrosa reclusa. Durante la investigación descubren que la isla esconde numerosos secretos.

Crítica
Scorsese junto a Di Caprio -Ted, el protagonista- y a Mark Ruffalo -Chuck, su compañero -, nos brinda un thriller psicológico que te atrapa de principio a fin.

El film empieza cuando se inicia el viaje de Ted, justo antes de llegar a la isla. De hecho se muestra un plano general con una pequeña descripción del lugar, lo que queda claro es que será un sitio hostil para el que lo visita. La música y la tensión de los personajes desde un inicio ya generan una incertidumbre muy alta que, te pone en alerta a ti, y pone en alerta a los nuevos visitantes.

Esta tensión elevada viene dada por los diálogos que ocultan información, unas introducciones de personajes rápidas que dan mucha información al tema inicial que se plantea, acompañado de una música, vibrante y algo desordenada que va generando un ambiente que pone en alerta. Todos estos conceptos transmiten inquietud e intranquilidad, con algo de miedo por lo que se está por descubrir,

Esta mecánica Scorsese la utiliza para impactar en la historia y generar sus avances. Mientras que los puntos bajos de ritmo, porque no todo el tiempo se puede estar con la tensión por las nubes, se aprovechan para desarrollar los personajes, Y claro, a medida que avanza la película, lejos de responder a las diferentes preguntas que desde un inicio te puedes plantear, se complican y se generan otras.

Para mí la clave está es éso, saber mantener la expectación hasta el final, generando nuevas preguntas pero sin necesidad de complicar el argumento, y entonces dudas, dudas hasta el último momento, hasta el final. Pero en ese momento en el que se produce la clarividencia, en el que el espectador sabe qué ocurre y por qué, ocurre la magia. El espectador es el único que lo tiene claro, mientras que todos los personajes son un mar de dudas y desconcierto.

Saben por qué pasan los hechos pero no saben qué consecuencias depararán. Hasta que Ted.. digo, Andrew , toma una decisión, yo, sin duda, haría lo mismo que él.

PD: Gracias Di Caprio.

El Blues no fue suficiente

Sinopsis
Dos hermanos dejan atrás su pasado criminal para empezar una nueva vida junto a en un nuevo local de música blues. La maravillosa música de un joven guitarrista atraerá a los más adeptos y al invitado menos esperado.

Crítica
Pues no he conseguido ver, salvó en la magnífica música, ninguna de las virtudes de las que se habla de esta película. Sin duda el blues se trata del centro del cuál gira el argumento, y tener un núcleo que funcione bastante bien parece ser que el acompañamiento a poco que esté trabajado y sea coherente ya debe llevar a un producto bien hecho. A mi percepción este principio no se ha cumplido. Insisto, el apartado musical que es el tema principal de la película me parece muy bueno, las canciones y piezas que componen la banda sonora son de alto nivel. Pero luego, todo lo que rodea al ámbito de la música, para mí, está unos cuántos escalones por debajo, hasta puede dar la sensación de efectista.

Este film, teniendo unas actuaciones bastante correctas de todo el elenco de personajes, a mi modo de ver, hay puntos bastante flojos que pesan en mi crítica. Que haya personajes principales que se discutan entre ellos y en la siguiente escena su estado de ánimo sea de complicidad saca de la película.

Para explicar los 2 puntos que para mi son los más débiles en cuanto a guion y lastran la historia recurriré a spoilers:

En primer lugar, tenemos a un vampiro que corre al atardecer (se le ve con el cuerpo quemado) y luego sólo necesita un haz de luz para morir. Además que en la escena que los indios le persiguen, hasta el momento en el que él entra en el plano, el vampiro lleva corriendo un rato, es decir, hacía más sol que en el momento en el que llega a la casa, pero ese sol no ha sido suficiente para matarlo, luego, cuando sí es necesario, al amanecer, muere.

En segundo lugar, el papel del Ku Kux Klan en la película. Pues con agujeros de guion por todas partes. Ya no me meto en el papel de los indios que saben el problema al que se pueden enfrentar. Es que, ¿Por qué no se sabe nada de que en ese pueblo hay miembros del clan racista más violento? La verosimilitud y la existencia de este grupo en la historia habría sido coherente si antes hubieran planteado algún asesinato, algún misterio sin resolver, algo donde agarrarse. No al final de la película una explicación para poder hacer una última escena de tiros porque la anterior, que es el cénit de la historia principal, se ha quedado corta. Sin el Ku Klux Klan la película funciona igual y no planteas agujeros de guion.

De verdad que creo que hay premisas muy interesantes, pero para mi con la buena intención no ha sido sido suficiente. Una lástima, ojalá me hubiera gustado tanto como a la mayoría.

PD: puede que la percepción negativa que tuve durante la película también venga provocada porque al visualizar uno de los trailers sabía giros de guion que deberían haberse protegido mucho más. Bastante decepcionado también con que no se sepa hacer el montaje de un resumen de una película sin desvelar spoilers, es una tendencia bastante extendida ya, que fastidia muchos visionados, porque, como en esta película, estuve los 2 primeros actos esperando que llegara la acción.

Un gran Drácula para nuestro tiempo


Sinopsis
Remake de la historia vampírica escrita por Bram Stocker en el siglo XIX, esta vez reinterpretado desde la mano, y sobre todo desde el ojo y expresión de Robert Eggers.

Crítica
Loar haber conseguido transmitir miedo, o esa inquietud, a pesar de ser una historia generalmente bastante conocida. Mucho reconocimiento por lo que ha hecho Robert Eggers en esta película, merecidas cada una de las nominaciones a los Oscars.

Antes de ver la película había leído y escuchado algunas críticas. Solían coincidir en un aspecto, imágenes potentes complementadas con actuaciones que quedaban opacadas debido al impacto visual. Después de ver la película estoy de acuerdo en la primera afirmación pero no tanto en la segunda. Imágenes potentes sí, mucho, Jardin Blaschke hace un trabajo sublime, el blanco y negro además infunde el contraste máximo entre colores, lo que permite ayudar a reforzar la composición de los planos y las escenas. Pero no estoy de acuerdo en decir que la imagen sobrepasa las actuaciones, de hecho, podríamos girar el argumento y explicar que las actuaciones acompañan a las imágenes (sin estar ninguno de los 2 conceptos uno por encima del otro).

La alabanza a la imagen la podemos hacer desde el plano estático al plano móvil. Aunque he alabado el plano estático o la composición, también hay una inmensa calidad en el movimiento de la cámara: rotaciones, elevaciones, giros…

Aunque es verdad que sí se podría tener la percepción de otras críticas, porque como he dicho anteriormente, es difícil volver a contar una historia, explicada, reinterpretada, redirigida y trillada como ésta. Robert se sirve de la potencia visual para impactar, introducir mediante la imagen potente cada una de las escenas y de los diferentes actos. Es decir, durante la película cada detonante o cada paso argumental que se da a través de estos impactos visuales, son las herramientas que introducen las escenas habladas, donde suceden las interacciones entre personajes. Y en este sentido es verdad que la sucesión suele ser “imagen > diálogo”, contadas veces se invierte, pero no creo que las actuaciones estén a un nivel inferior. De hecho, para mí, ha sido un gran descubrimiento Lily-Rose.

A parte de la potencia visual, Eggers reinterpreta la historia aumentando la información de los actores, y por tanto, su duración, que se ve aumentada en casi 1 hora respecto a la original. Y ahí encuentro el único “pero”, aunque me haya gustado que la película y la historia dure más que la original, hay escenas que se podrían haber hecho un poco más rápidas, y acortar el film unos 10-15 min. Esto permitiría que los puntos bajos del ritmo fueran más cortos, ya que se pueden exagerar cuando se conjugan con la rítmica visual.

El “pero” más importante podría ser el aspecto de Dracula, así como la voz, el tono y su uso también forman parte de la delicadeza de la película, el aspecto facial de Dracula me parece el punto flojo de la caracterización.

En definitiva, más de tratarse de un remake de la original (a pesar de que le hace algunos guiños visuales), para mi es una gran reinterpretación de la historia original. El trabajo de Eggers hará que le dé una segunda oportunidad a “The Northman”.

Imperdible.

Una de domingo

La mítica que te ayuda a hacer la siesta los domingos, en mi caso tocaba hacer el belén.

Un robot doméstico

Sinopsis
Andrew, un robot, llega a una familia en forma de regalo para facilitar tareas básicas. Conforme pasa el tiempo no sólo es capaz de aprender sinó de demostrar cierta sensibilidad.


Crítica
Plantear cómo puede llegar a comportarse una inteligencia artificial es algo que en el cine se lleva trabajando desde siempre y explorado desde diferentes puntos de vista. Un ejemplo son las inteligencias computacionales como HAL 9000. En este caso nos encontramos con una inteligencia en un robot que tiene forma humana.

Andrew se convierte en una excusa para explorar cómo sería la interacción entre humanos y humanoides con capacidades, sobre todo físicas, similares. Se trata de explorar qué pasaría si una inteligencia llega a ser lo suficientemente inteligente no sólo para aprender sinó para adquirir sensibilidad, primera diferenciación humano-máquina. Y en el caso de llegar a una sensibilidad entendida como “humana”, querer llegar a experimentar las mismas sensaciones y sentimientos que una persona.

Pero en estas películas que intentan profundizar sobre cómo podría llegar a ser estas interacciones entre personas y robots nunca me llegan a convencer del todo porque realmente todavía no sabemos cómo puede llegar a pensar una IA. No sé si es una sensación personal, pero Andrew suele tener reacciones muy impulsivas y viscerales incluso antes de llegar a un cambio notable en su transición hacia humano, y eso no me llega a convencer, me cuesta creer que una IA sea tan “emocional”. Pero esto a lo mejor es una cuestión muy subjetiva.

En todo caso tampoco creo que llegue a funcionar del todo el arco de Andrew. La película pierde sentido cuando se mueren los familiares con los que el robot ha tenido más relación, no he llegado a entender por qué se alargan los últimos 30min. Me parecería un final mejor cuando Andrew va a visitar a Portia y le confiesa que lo que quiere es una familia, porque en ese punto él ha entendido cuál es su condición, una máquina que acompaña.

Creo que el arco sentimental y toda la transformación final a humano es rizar el argumento. Se tienen que inventar que la nieta es clavada a la abuela para que Andrew tenga un motivo irracional para morir, el amor. Pero él originalmente está enamorado de Miss, no de Portia. Ciertas decisiones como ésta confunden y llegan a empañar y embarrar las cuestiones filosóficas que quedan relegadas a un segundo plano.

Una historia real para una historia cualquiera

Sinopsis
Rick Dalton, famoso actor de los años 60 se encuentra en un momento de cambio en su carrera. De la mano de su doble, Pitt, deberá adaptarse a los nuevos tiempos del cine.

Crítica
Tarantino nos deleita esta vez con varias historias Hollywoodenses dentro de Hollywood.

Recuerdo el desconcierto de amigos al salir del cine, desesperados por no haber encontrado los tiros, el cercenamiento o la sangre. También recuerdo algunos otros conocidos que no fueron a verla a sabiendas de que les “decepcionaría” no encontrarse con un Django sediento. Y yo me preguntaba: ¿Cómo no vieron la sangre en las lágrimas de Rick fruto de su esfuerzo? Pero claro, no es explícito. Mención especial a DiCaprio en esa doble actuación… qué actor.

Tarantino, al igual que Chazelle en Babylon donde explica el cambio del cine mudo al sonoro, ve interesante explicar un cambio que se produjo en el cine, esta vez no como expresión artística, sinó el cambio que se produjo en las capacidades y características de sus actores. Algunos tuvieron que experimentar una evolución para la que no estaban preparados por muy buenos que fueran, y Rick fue uno de ellos.

Pero para él esta situación de incertidumbre por parte de Rick no es del todo suficiente, ¿podría haberse centrado en contar sólo la historia de Rick y Cliff? Claro, pero ve en ese marco histórico una oportunidad para exprimir y experimentar, ve más conveniente extender la membrana de interacciones, hay algunas más anecdóticas como las apariciones de Bruce Lee, y otras interacciones que tienen un peso argumental más sólido, como son los personajes de Sharon Tate y Roman Polanski. Por lo que en este sentido creo que Tarantino aprovechó la oportunidad para poder explicar otros hechos coetáneos que para él también fueron interesantes, a Carlos Boyero no, para poder darle más profundidad a la historia y a los arcos de los personajes.

Es reconfortante experimentar el trato de Tarantino al cine de Hollywood y todo lo que le envolvió en esa época, se percibe la emoción y el cariño, las actuaciones de DiCaprio y Margott Robbie son la vía de transmisión. Mientras que Rick vive en la incertidumbre de un actor relegado, Tate vive en la emoción de una joven actriz que experimenta una ilusión por lo que puede llegar a ser.

Durante el transcurso de la película relata y transmite esas emociones que pudieron experimentar muchos profesionales, y que seguramente muchos hoy en día se puedan ver reflejados en esos sentimientos, también es capaz de explicar el contexto social americano de la época, ¿cómo? mediante un anti-western encubierto. El paseo de Cliff por un antiguo set de rodaje venido a menos, tiene esos tintes de western explicado desde la tensión, la pausa de Cliff, como ese extranjero que visita un pequeño pueblo donde no es bienvenido.

-Como interpretación personal, entiendo la figura de Marget Qualley, Pussycat, como representación de las filias de las que fue acusado Polanski en su momento, que desembocaron en acusaciones de abusos sexuales. Se establece una relación entre un personaje maduro, Cliff, y una joven menor de edad, esa tensión sexual entre los personajes es la que desemboca los sucesos de acción de la película, se trata de una herramienta para progresar y cerrar-.

Y gracias a este suceso es capaz de concluir el argumento del filme, 4 hippies que encarnan el trágico suceso dirigido por Manson. Pero Tarantino debía seguir con la línea argumental de respeto, de un fan enamorado del cine, y debía cambiar la historia de Sharon Tate , un acierto.

Pero la cabra tira al monte, los últimos 10 min Tarantino se descamisa, se quita el traje elegante, el aire educado que lleva durante todo el filme, no aguanta y se libera. Ejecuta una escena de un asalto bajo el sonido estridente continuado de un chillido producido por el horror y el desconcierto; chillido que al terminar se transforma en la liberación de Rick, que a pesar de volver a estar en un estatus más reconocido, ve en su posible futura relación de amistad con el entorno de Polanski una última oportunidad, más que para volver a ser lo que en su momento fue, volver a saciar su ego por última vez.

Xenoerectus

Sinopsis
Rain, una joven atrapada en una colonia humana busca poder liberarse de la esclavitud de la mina. Ella y sus amigos urden un plan para poder escapar, pero para conseguirlo deben explorar una nave a la deriva.


Crítica
Sorprendente Romulus después de la deriva de las últimas películas. Esto ha sido posible gracias a Fede Álvarez que con más reputación que pruebas tangibles ha vuelto a lo que gustó de la primera entrega del xenomorfo: expectación, intriga y terror. De hecho es en la primera característica donde destaca, la película es capaz de mantenerte atento en todo momento.

El magnetismo construido gracias al ritmo de las secuencias de acción, a la atmósfera, el entorno acompañado de una iluminación brillante, hacen que sea una película que pretende mantener la atención en todo momento. Destacan esas secuencias sencillas, con composiciones más clásicas, con guiños a planos de Kubrick. Y una iluminación muy destacable, que debe ser uno de los aspectos mejor trabajados en la película.

No pretende ser más que lo que es, una película de terror en una nave espacial, no pretende extender mucho más el “lore” ni hacer gala de sobreexposiciones. Pero sí tiene la habilidad de conectar con otros momentos de la saga de forma precisa para sustentar su argumento. Aunque así como tiene la habilidad de conectar, no creo que sea tan acertada la forma de cerrar el filme, no por la idea, sinó por la sucesión de los acontecimientos. Digamos que en los momentos finales cuando se llega al entendido “clímax” después de tanta tensión, se ve reducido y descafeinado.

Pero todo no podía ser bueno, en estas películas ya sabemos cómo va a terminar la embarazada, eso está claro, lo que no estaba tan claro es que viéramos el truco “y ahora más grande y fuerte”, para mí un truco demasiado trillado. El clímax se ve reducido porque ya sabes que: después del festival de tiros en el pasillo, de más aliens subir por el ascensor, de utilizar la gravedad, de que el Alien se escondiera y después de quedar Andy como héroe y cerrar su arco, habrá otro ser porque Kay se ha inyectado el virus. Pero claro, como sabes que habrá otro, lo que no sabes es que será más grande y fuerte… es una escena que sobra.

Quitando este punto, que para algunos puede lastrar más que para otros, el filme funciona, vuelves a sentir la inquietud, la intriga, la angustia, el terror, y el calor del ácido de un Alien que ha vuelto para unas cuantas entregas más.

Una nueva historia en Mad Max

Sinopsis
Furiosa, una chica nacida en una zona singular de la antigua Australia donde reina la paz y la abundancia de recursos se ve envuelta en un entuerto que la aleja de su hogar. Atrapada en las manos de Dementus toma consciencia de la realidad salvaje pero no olvida su origen y crece su sed de venganza.


Crítica
Tras no gustarme en demasía la “Movie Road” de 2015 protagonizada por Tom Hardy me apetecía volver a ver una película del estilo. La anterior me decepcionó un poco debido a la poca exploración del mundo -de posibilidades que puede dar para contar una historia-. Y ésto es justo lo que hace esta película, utiliza su contexto social y económico para contar una historia.

Me gustó bastante la idea de la posibilidad de que existiera una zona de la tierra no tan desértica, es como el santo grial o la zona de salvación que en tantas ocasiones se busca durante una historia de ciencia ficción, y me parece buena idea el simple hecho de mostrarlo, ya que es más atractivo seguir contando una historia en un mundo desértico y apocalíptico. Puede ser una futura duda, ¿aguntarán las próximas películas una historia contada en escenarios tan parecidos? Veremos.

Pero en ésta sigue funcionando la historia en el desierto, explorando más el entorno planteado en la de 2015 -de hecho se llegan a utilizar algunos de los personajes mostrados- cosa que te engancha porque reconoces tips ya planteados anteriormente. Me parece un acierto seguir contando y profundizando sobre estos personajes que ya marcaron en la película anterior.

Estos tips junto a un muy buen ritmo y fotografía exquisita conforman un film bastante atractivo, con mucha acción que hace seguir atento a la historia aunque la película sea un poco larga. Hay algunos puntos que no me he llegado a creer, como el personaje de Tom Burke, algo plano y con diálogos expositivos para justificar sus actuaciones, soso.

No llego a entender por qué tuvo tan poco éxito en taquilla, cumple con creces requisitos básicos de un blockbuster de acción-aventura.

Giórgos para los muy “Giorguistas”

Sinopsis
Conjunto de 3 relatos independientes protagonizados por los mismos actores. Un arquitecto cuya vida está organizada por su jefe, un policía traumatizado por la desaparición de su mujer, y la historia de dos miembros de una secta que tienen que realizar una tarea.


Crítica
Soy uno de aquéllos que descubrimos a Lanthimos gracias a Poor Things. Había oído hablar del director griego, de hecho tenía ya pendientes varias de sus películas, antes de estrenar el exitoso filme del año pasado y, caí preso de su magnetismo.

Después de disfrutar la aclamada Poor Things me dispuse a ver las anteriores piezas, a sabiendas que eran menos accesibles, más densas, viscerales, impulsivas, desconcertantes e irracionales. Y fue en éstas donde descubrí al verdadero Lanthimos a pesar, varias veces, de no entender hacia dónde quería dirigir sus historias o cuáles eran sus finales, pero eso no importaba. Daba igual la explicación final, no la había, pero sí había una historia relatada gracias a unos personajes movidos por impulsos que actuaban de forma básica y visceral, muchas veces prácticamente instintiva ante los conflictos.

Y todo ésto es lo que aparece en esta película, es otra muestra más de qué y cómo piensa Giórgos. Sin embargo se percibe una evolución con las previas y no tan cruda. Puede que sea por este motivo que a mi amigo, con el que fui a ver la película, en su caso sin haber visto las anteriores, también le gustara, -se obvia Poor Things, ya que se trata de una película más doméstica que responde más a los cánones del espectador medio-.

Está claro que la grandísima actuación de los dos protagonistas principales y el buen ritmo de la película, que en todo momento te mantiene expectante, ayudan a ser más atractiva, a pesar de que mantiene la esencia de adolecer de explicación explícita y lógica.

Aún tratándose de 3 relatos distintos protagonizados siempre por distintos personajes el relato general nos permitió entender que sí podría haber un hilo conductor, algo que en segundo plano y de forma implícita se desarrollara sin haberse explicado.

Este hilo podría tratarse de la simbiosis entre el sentimiento de apego entre personajes -amor- y la relación con lo material, es decir, cómo se traducen de forma tangible y de valor estas relaciones en algo visual y palpable. Ya digo que esta es una interpretación muy subjetiva, fruto de la posibilidad que dan películas como ésta, el poder pensar y reflexionar sobre la experiencia narrativa.

En el 1er acto se podría encontrar un amor incondicional, fuerte que se traduce en una representación de objetos de gran valor. En el 2º acto este amor se cosifica, es traducido a una persona, pero se idealiza, se combate a través de una frustración del presente recordando un pasado perfecto. Mientras que en el 3º el amor irracional, la fe, la suposición, la búsqueda y la persecución entran en escena, se trata de un amor etéreo, divino, no tangible. Por tanto hay una progresión en cuanto a la tangibilidad material del amor, objeto-persona-alma. Ya digo que ésta se trata de una interpretación y lectura completamente subjetiva.

Pero sí ,es cierto que se trata de 3 relatos con 3 premisas distintas que se mezclan con las condiciones de cada personaje, lo que les lleva a un desarrollo concreto como si fueran marionetas cuyo destino está a merced de Lánthimos.